“危险关系”作为刘健的第一次个展，试图从手段、语言、媒介材料、观念与语境多个层面向观众呈现他近一年以来集中的艺术探索。这种探索基于绘画同时又试图突破绘画形式，从材料和手段层面反映出艺术家本人的艺术态度与观点。而对刘健而言，媒介材料和方法本身并非其创作的核心，它们涵盖的是他在过去七年中经历过的不断反复、不断更新的自我认知历程。在呈现完整作品之外，展览中来自艺术家创作材料的延伸作品以及其本人在这之上留下的痕迹，成为展览的过程和结构补充。它们为观众揭示的是刘健在艺术创作中完善思考的路径以及在漫长的劳作中与物质建立的联系。没有任何语言能如刘健的自述般更好地描述他在长期实践中对其艺术创作和自我衍进的过程：“它实在是一个疯狂的失败史。它的珍贵源于我不断的承认自己的失败和利用它们，但是那个被淘汰的真的是我自己，而不是物。”
契合艺术家的艺术实践，展览的第一部分选择了刘健临时、即兴的创作条件——等雨——带领观众进入他的精神世界和创作态度。这种选择并非随机，而是映射出刘健周期性的工作状态：他每年大约有四个月时间在室外进行创作。外物与创作的联系自然而然地将展览引向刘健在媒介材料层面的观点。材料在自然力与人为力共同的侵蚀和打磨中逐渐被淘汰，而这种淘汰却呈现出另一种独特的精神力。对刘健而言，这个过程催生的是一种近似于机械工作产生的、不可替代的劳动力残留物。展览的第二部分由媒介材料转向艺术家通过材料创作产生的与现实世界发生的连接。借由作品剥离出的生活碎片还原了刘健创作的本真情感、情趣和个人语境，印证着其艺术实践与当下的不可分割性。展览第三部分着重刘健创作的核心理念，即一种危险边缘的中间状态。这种状态既反映了刘健在面对不真实的当下和当代艺术环境时试图回避进入艺术史和历史时间坐标与完全回归自我之间的矛盾，同时又揭示着他透过画面处理所传达的对权利结构保持警惕和怀疑的态度。刘健在摒弃绘画和绘画性中所做的抗争和叛离并非对庞大艺术权力结构的逃避，而是建立在现代主义绘画基础之上，以被淘汰的精神力反控、干预画面来篡取权利的过程。这种权利重建的实现归根结底源于艺术家在不断的自我否定中去除了明确的标准，取而代之的是在一种危险关系的游移中建立起即时标准。
在这种危险关系中，即边缘地带，刘健的作品始终同时容纳着不合理性与合法性。而超越作品本身，艺术家及整个展览更进一步地提出和亟需解决的问题是：在无数次突破极限后，由长时间工作周期形成的自动程序是否又抑制了自我否定和淘汰精神力的野性？换言之，对突破极限的追求本身是否会成为束缚的工具，进而构成何种新的权利体系？
