墨虎恺: 刘勃麟与辛迪•舍曼（Cindy Sherman）在摄影上有共通之处，即并非自拍而是描绘一些角色，这些角色常会在一个古怪的非特定的瞬间被捕捉。刘的主人公常是他自己，隐身于某个地点，从一条政治标语到一条臭水沟，从一名警察到北京天安门广场上的毛主席肖像。
何思衍: 刘勃麟成了一种“现象”（meme）。我猜其创作还是植根于摄影的源头，回到视觉诡技或幻觉上（或许可追溯至错视画（trompe l’oeil）及对视角本身的发现那么早）并聚焦于这类诡巧上。
顾灵: 我认为他的出发点还是“行动”多过“摄影”。他涂画自己并融入周遭环境，根据环境展开一连串角色扮演。刘勃麟在接受采访时提及他曾被旁人轻视与忽略的时期，而他想要直接应对这种“忽视”的念头恰是创作的动因：让自己彻底“不可见”，由此引发关于这种“忽视”的成因究竟是环境本身还是被忽视者自己“不争气”的思考。在此次展览“迷失艺术”中，他与一些时尚品牌大师合作的方式也是一样，重在行动或表演而非仅是照片。
刘勃麟,《隐身在纽约之五 – 美国瓦片》,摄影,118 x 150厘米,2011
墨: 那何不来谈谈与时尚的联系？我喜欢Gaultier“商标般”的法国布列塔尼渔人T恤系列，看了有种被完全包围的感觉。
何: 但这不过是艺术品牌的自我增值罢了，将可疑的文化价值出借给品牌，而后者则迫不及待地想要磨亮招牌招揽“十三亿中国人”来多买些包。
墨: 我觉得没那么简单。Gaultier或许是时尚业最厉害的跨界高手了，甚至比Vivienne Westward还厉害。所以不夸张地说，为什么这次偏偏是Gaultier而非其他任何一家设计师或时尚品牌？说明这儿真有甜头，即便带有挑逗的意味——我肯定Gaultier会欣赏这点——加上也的确有趣，包括它快速传播的“病毒性”。
刘勃麟,《朗雯的阿尔伯·艾尔巴茨》,摄影,146 x 200厘米,2011
何: 关于时尚业界的讨论我想就此打住。而刘勃麟的作品确实具有某种颠覆性的品质。仅凭其“城市迷彩”系列快速走红并不意味着是件坏事。说不定它就故意要这种效果。不过头一眼看上去，还是感觉有点单一（one-liner）。
墨: 那看了第二眼呢？重复肯定是讨论到这儿的关键——永远是那个一动不动的站立姿势——中国艺术界中个体的“被动”是值得注意的议题，打从曾梵志就开始了。
何: 可以说这种把人藏起来表现了某种无力感，这在西方或许可以被解读为：在中国大“集体”中的“迷失个体”。而去展示这种无力感本身就带有颠覆性。
墨: 怎么说？
何: 把关注引向不可见。
顾: 美国艺术家Alexa Meade也画在人体上，不过她将人体画成了平面图像。涂绘过的人体表面与其周遭环境的转换犹如梦境。她同样采用人体涂画，但效果截然相反。而荷兰艺术家Desiree Palmen则两者兼而有之，但她不仅通过绘画、还有定制服装与道具来达成类似刘勃麟的作品效果。
刘勃麟,《隐身在城市九十七号 – 黄河》,摄影,118 x 150厘米,2011
墨: 还有什么？
何: 还有点“瓦尔多在哪儿”（Where’s Waldo?，一个美国知名的在线游戏，玩家须在茫茫动画人海中找到主人公“瓦尔多”）的感觉。在摄像机的机械镜头下显而易见的人与景的融合——哦，等等，这没什么新鲜的。
顾: 我觉得这种办法多少冒着点孩子气，就像思衍说的“瓦尔多在哪儿”，但也好像是儿时的天真想法：变得透明是一种超能力，别人就无法看见我们。而刘用其艺术创作在某种程度上将之实现了。
墨: 我认为他也抛出了一个具体的问题，即摄影与表演之间的时空关系。提问：现在我在哪儿？为什么？
